Recensione KINDERGARTEN COP 2: Meglio di quanto ci si aspettasse, comunque non proprio buono

Non abbastanza mocciosi vengono fatti fuori.

di EVAN SAATHOFF   

In tutta serietà, un Kindergarten Cop 2 (un poliziotto alle elementari 2) interpretato da Dolph Lundgren aveva poche possibilità di innalzarsi sopra la novità semplicemente di esistere in primo luogo. Quasi volutamente, il suo valore d'intrattenimento principale risiede semplicemente nel dire a qualcuno “Hey, hai sentito che hanno fatto un Kindergarten Cop 2 interpretato da Dolph Lundgren?”

Ma c'è davvero un film che asseconda la novità, e nonostante la proliverazione di stupidi, generici tocchi da DTV che automaticamente svalutano il film, Kindergarten Cop 2 ha aree dove ha successo, in particolarmente quando si tratta di qualsiasi nozione di essere all'altezza dell'originale. Ci sono certi momenti incauti dove scimmiotta apertamente il film di Schwarzenegger, ma quando i tentativi di Dolph di calarsi in questi panni possono fare le loro cose, ci sono decisamente punti brillanti.

Dolph interpreta un agente del FBI donnaiolo (o così sentiamo) che vive in una roulotte su di un lago dove trascorre tutta le mattine a fare esercizio e tutte le notti cucinando bistecche enormi.  Lui e il suo partner, interpretato da Bill Bellamy, devono trovare una flash drive contenete documenti riservati del FBI prima che cadao nelle mani di un pericoloso spacciatore. Per ragioni che non importano davvero (nonostante il film passi venticinque tormentosi minuti a sistemarle), quella flash drive è nascosta da qualche parte in una scuola elementare.

Conoscete la procedura. Dolph deve andare sotto copertura come maestro di scuola elementare per vedere se qualcuno di questi mocciosi sa dove sia la flash drive. Inoltre inizia a innamorarsi dell'altra maestra elementare della scuola. Gli fanno pipì sopra, ecc.

Ciò che separe Kindergarten Cop 2 dal suo predecessore è la cultura di questa scuola. Mentre il film di Arnold strappava risate dal vedere un uomo forte e muscoloso incapace di controllare un mucchio di bambini, questo costruisce su quell'umorismo essendo ambientato in un ambiente educativo altamente liberale, il che significa che noi inoltre ci becchiamo un sacco di battute efficaci sulla pulizia del linguaggio, i mali di una dieta a base di glutine, e il porcellino terapia della scuola.

Il film è al suo meglio quando batte su questi tasti. C'è un bel pezzo dove a Dolph viene detto che non va bene dire a un bambino che il suo lavoro è "intelligente" e Dolph semplicemente risponde con "questo è da ritardati". C'è un'altra grande scena dove Dolph si lancia in una predica di estrema destra dopo aver letto ai bambini un libro sulle virtù della condivisione. Piuttosto che lasciare che questa roba lo faccia impazzie, il personaggio di Dolph saluta molta di questa cultura da trofeo di partecipazione con "già sicuro, non me ne importa un cazzo" liquidazione alla leggera che consente al film sia di fare le sue battute sia di essere gentile allo stesso tempo.

Ovviamente, Dolph impara ad amare i bambini alla fine, e il film perde questo po' di mordente, cadendo di nuovo in un generico giretto attraverso un plot che non avrete problemi a prevedere. In definitiva, Kindergarten Cop 2 è riempito ocn il tipo di ridicola colonna sonora provvisoria e stupidi tentativi di battute fra partner tra Dolph e Bellamy che automaticamente frenano qualsiasi tentativo di realizzare qualcosa al di sopra del livello DTV. Ma quando gioca le sue carte migliori, non è nemmeno esattamente una barzelletta di film.

TRADUZIONE a CURA di DAVIDE SCHIANO DI COSCIA
ARTICOLO ORIGINALE: birthmoviesdeath.com

Recensioni dal Festival di Cannes: 'Dog Eat Dog'

di Todd McCarthy

Un poliziesco assolutamente disdicevole, sordido e coinvolgente. L'ultimo film di Paul Schrader vede Nicolas Cage nei panni di un ex detenuto a caccia di un ultimo grande colpo.

Non è facile inventare un nuovo modo per raccontare una moderna crime story, ma Paul Schreader è riuscito a rinfrescare un formato familiare in Dog Eat Dog, una folle, giocosa, avventurosa storia su tre perdenti assoluti che sperano che un ultimo grande colpo sarà il loro biglietto per la vita comoda.  Persino in un era definita dalla criminalità dall'umorismo nero di Tarantino e Breaking Bad, c'è un po' di comportamento scorret qui che scoraggerà molti spettatori, in special modo donne. Il film positivamente si gloria nella sua indecenza e nella sua aria a basso costo a tutto tondo; sfoggiando un salutare disprezzo per la rispettabilità, Schader si lancia e basta qui con un altamente concentrata spericolatezza che rivolta a suo vantaggio creativo. Un cast che se la gioca, condotto da Nicolas Cage e Willem Dafoe, aiuta il regista a mantenere un delicato bilanciamento tonale recitativo che abilmente miscela farsa e serietà, un approccio che attrarrà almeno agli specialisti del genere, persino se un publico più ampio probabilmente si dimostrerà sfuggente.

Basato su di un romanzo del 1995 del ben noto galeotto e scrittore Edward Bunker, autore di Vigilato Speciale, il progetto chiaramente low bidget si apre con una scena così sconcertante che alcuni spettatori rigetteranno il film dall'inizio: uno idiota strafatto, adeguatamente chiamato Mad Dog (Dafoe), perde il controllo e uccide senza motivo la sua ospitale ex fidanzata e la sua figlia adolescente.  

Quando Mad Dog poco dopo ha un incontro in uno strip club con due altri ex detenuti, Troy (Cage) e Diesel (Christopher Matthew Cook), è inizialmente difficile passare dal disgusto per il suo atto rirpovevole allo sguaiato umorismo da maschi che Schrader inizia a estrarre quando i ragazzi si staccano con le prostitute.  Ma ben presto, un sufficiente senso di credibilità del personaggio guadagna piede ugualmente con l'eccentrico, approccio tutto per tutto forgiato da Schrader e dallo sceneggiatore Matthew Wilder; questi ragazzi hanno due strike incombere su di loro, non conoscono nessun altra vita che il crimine e hanno bisogno di capire come trascorreranno il resto dei loro anni, se permanentemente dietro le sbarre o con abbastanza cuscini che non dovranno mai più lavorare.

Dopo avre realizzato un ragionevole successo realizzando un piccolo lavoro, la seconda possibilità si palesa con un eccentrico piano proposto da un mafioso locale di Cleveland conosciuto come Il Greco (Schrader, la cui voce greve rende alcuni dei suoi dialoghi difficili da decifrare):  Avranno tutti i soldi id cui hanno bisogno se rapiscono il bimbo di un gangster arrivista che sta tradendo il grande capo. Nonostante perplessità iniziali—il rapimento di bambino non fuonziona troppo bene nel caso di Lindbergh — i ragazzi decidono che diavolo, lo faranno e basta.

Ma sorpresona—le cose non vanno come pianificato, al che la vera, abberrante e intrinsecamente natura fuori legge di tutti e tre gli uomini impone se stessa come un dato di fatto, cose che semplicmente non possono essere negate, superate o abolite. Invece di scivolare in un atteggiamento cupo o, non sia mai detto, moralistico riguardo a questa accettazione della realtà, Schrader si diverte in modo molto oscuro con esso, in quanto ha i suoi personaggi rimanere fedeli ai loro tratti caratteriali da tempo stabiliti di genuina malignità e porta l'approccio alla sua naturale conclusione in ogni caso.

Lungo il percorso, quest accoglienza delle personalità profondamente difettose dei protagonisti - no, fondamentalmente negative- libera il film a diventare molto, anche se in modo peculiare, divertente.  I tre tipi continuano a fare cose stupide e orrende, incluso l'uccidere più persone innocenti, e il film non è interessato a scusarsi o a trovare scuse per essi: Cattivi è cattivo. Ma la sua definitiva onestà riguardo alla loro vere nature a liberare il film dal fare qualsiasi cosa vuole con loro, dal trovarli stupidi e terrificanti al comprenderli anche. Il film cammina su di una corda stretta e delicata e trema un po' di volte, ma mantiene il suo passo, una volta trovatolo, fino alla fine.

É un raro film in cui un personaggio interpretato da Nicolas Cage emerge come il più sano del mucchio, ma è così qui, e l'attore molto tempo fuori dalla cività in realtà qui risulta come realizzato e persino, ci crediate o meno, affascinante in un certo modo; il suo Troy potrà alla fine ritrovarsi in una situazione più grande di luima  il suo tentativo di prendere il controllo della situazione e momentaneamente sollevarsi sulla sua vera natura ispira un peculiare tipo di ammirazione.

Per contrasto, il la scheggia impazzita dal basso QI di Defoe è una creazione sia spaventosa che fresca - una scena in cui Mad Dog aredentemente enumera i difetti del suo personaggio è una gemma, una menzione definitiva nella bobina dei successi di rilievo di una vita. L'ignorante, Cook fisicamente ai limiti della decenza è assolutamente spaventoso come criminale che non si hanno dubbi sia irriformabile.

Un film raro per essere stato girato a Cleveland, Dog Eat Dog decisamente sembra girato al risparmio ma mette ciò che ci vuole sullo schermo con vigore e intelligenza.

Venue: Cannes Film Festival (Directors’ Fortnight)

Produzione: Blue Budgie Ded Productions, Mark Earl Burman Productions

Cast: Nicolas Cage, Willem Dafoe, Christopher Matthew Cook, Louisa Krause, Omar Dorsey, Melissa Bolona, Rey Gallegos, Chelcie Melton, Paul Schrader

Regista: Paul Schrader

Sceneggiatore: Matthew Wilder, basato sul libro di Edward Bunker

Produttori: Mark Earl Burman, Brian Beckmann, Gary Hamilton, David Hillary

Produttori esecutivi: Jeremy Rosen, Jeff Caperton, Barney Burman, Ray Mansfield, Shaun Redick,  Donald Rivers, Michael McClung, Tim Peternal

Direttore della fotografia: Alexander Dynan

Production designer: Grace Yun

Costume designer: Olga Mill

Montaggio: Benjamin Rodriguez Jr.

Music: We Are Dark Angels

Casting: Kim Coleman

93 minuti

TRADUZIONE a CURA di DAVIDE SCHIANO DI COSCIA
ARTICOLO ORIGINALE: hollywoodreporter.com

Recensioni dal Festival di Cannes: ‘The Last Laugh’

di Dennis Harvey

Un squadra di comici di serie A così come parecchi sopravvissuti all'Olocausto considerano i limiti estremi dell'umorismo e "buon gusto."

“The Last Laugh” pone la domanda non musical — beh non-musical a meno che non stiate parlando di “The Producers” — “Potranno mai i Nazisti e la Soluzione Finale essere divertenti? Si dovrebbe scherzare al riguardo?” Un gruppo stellato di comici così come parecchi veri sopravvissuti all'Olocausto soppesano la domanda, fornendo una gamma di risposte che sottolinea quanto personale, e mutevole, la nozione di umorismo e offesa siano. Il misto di leggerezza, temi seri, nomi conosciuti e materiali di archivio, nel piacevole documentario ricco di spunti di Ferne Pearlstein dovrebbe trovare sopratutto compratori televisivi in numerosi mercati.

L'Olocausto è il moderno definitore dello standard per argomenti che per consenso popolare sono troppo gravi per consentirne mai la trivializzazione.  Ciò nonostante anche le risate possono essere utilizzate per formulare serie affermazioni, e le frontiere di ciò che costituisce il "buon gusto" (o almeno ciò che non costituisce imperdonabile cattivo gusto) continuano a essere spinte più in là.

Persino i sopravvissuti dei campi di concentramento hanno prospettive estremamente differenti al riguardo. Un detenuto di Auschwitz diventata insegnante, Renee Firestone emerse dalla grande sofferenza - inclusa la morte di sua sorella dopo "esperimenti medici" Nazisti - con la gioia di vivere intatta, forse persino amplificata da una così personale perdita. Lei fornisce un barometro liberale di ciò che è ammissibile nella comicità, mentre guarda un numero di comici improvvisare su YouTube e in altri posti, considerandone alcuni genuinamente divertenti e altri semplicemente di cattivo gusto.

D'altra parte, la vediamo visitare Las Vegas con un amica che non sembra poter liberamente godersi l'escursione o qualsiasi altra esperienza quasi 70 anni dopo la sua esperienza nei campi di concentramento.  Tragedia aggravata da senso di colpa del sopravvissuto l'ha lasciata a vivere in un mondo dove la comicità sembra superflua alla meglio.

Talenti comici, autori e altri dibattono questioni più ristrette: Perché di solito sia OK prendere in giro i Nazisti, ma non l'Olocausto (perché ridicolizzare gli oppressori è una cosa, le loro vittime un'altra); giusto quanto la regola del "troppo presto" scade su argomenti delicati (nessuno imbriglia la presa in giro dell'Inquisizione Spagnola, per esempio, ma le battute sull'Undici Settembre sono ancora "sbagliate"); se la soddisfazione dell'ego premio oscar di Roberto Begnini "La Vita è Bella” sia "assolutamente brillante" (come reputa la the Anti-Defamation League di Abraham Foxman) o “il peggior film mai realizzato” (Mel Brooks, un commentatore MVP qui); e il divario su attuali impiegati come Sasha Baron Cohen, i personaggi spesso fanno la parodia dell'antisemitismo e altri pregiudizi, anche se in maniere sovversive che veri bigotti potrebbero benissimo interpretare come conferma alle loro distorsioni.

L'eterna battaglia tra umorismo e censura è illustrata in un breve sguardo alle battaglie legali di Lenny Bruce, e i suoi odierni (se raramente messi in correlazione) equivalenti come Dave Chapelle, Ricky Gervais, Sarah Silverman, "South Park" e via così, ognuno dei quali frequentemente conta su l'effetto shock di materiale "inappropriato."  

Come più di un professionista dello stand up sottolinea qui, la posta in gioco aumenta con più grandi rischi; se stai per scherzare riguardo a un soggetto "taboo", sarà meglio che si tratti di una barzelletta davvero buona. Clip dal piccolo schermo della definita Joan Rivers e altri illustrano come una battuta poca ispirata che sarebbe stata diversamente dimenticabile può indurre una revulsione che fa cambiare canale quando accade di imperniarsi su Ebrei e forni.

L'assemblagio molto abile di Pearlstein riesce a sollevare tutte queste idee e altre all'attenzione dello spettatore mentre sottolinea che ci sono poche, se ce ne sono, risposte definitive a esse - essendo l'umorismo il valore più soggettivo, persino quando si arriva a un apparente assoluto morale come l'Olocausto. Comicità può essere una tattica di sopravvivenza e un mezzo di vendetta contro la tirannia, persino mentre può essere anche uno strumento di crassa insensibilità.

Brooks ha l'ultima parola quando dice "i comici sono la coscienza delle persone, e gli è consentito un largo attracco in ogni direzione ... persino se è in cattivo gusto."

Materiali di archivio qui permettono un ricco assortimento, da firmati Nazisti confiscati di atti di cabaret effettuati dai prigionieri al megalomaniaco balletto de "Il Grande Dittatore" di Chaplin e filmati dietro le quinte dell'ancora non rilasciato "The Day the Clown Cried" di Jerry Lewis. Più, ovviamente, miriadi di filmati di comici odierni (inclusi molti intervistati qui) - e "Springtime for Hitler," naturalmente.

(Anche a Tribeca.) Durata: 88 MIN.

Produzione

(Docu) A Tangerine Entertainment production. (World sales: Submarine Entertainment, NYC.) Prodotto da Ferne Pearlstein, Robert Edwards, Amy Hobby, Anne Hubbell, Jan Warner. Co-produttori, Anne Etheridge, Dori Stegman.

Crew

Diretto da Ferne Pearlstein. Sceneggiatore, Robert Edwards, Pearlstein, inspired by “The Last Laugh: Humor and the Holocaust” by Kent Kirshenbaum. Camera (color, HD), Pearlstein, Anne Etheridge; montaggio, Pearlstein; music, Joe McGinty; music supervisor, Howard Paar; sound mixers, Richard Fleming, Nico Ruderman, Hilary Stewart, John Slocum, Taj Musco; supervising sound editor/re-recording mixer, Steve Glammaria.

Con

Renee Firestone, Klara Firestone, Mel Brooks, Carl Reiner, Sarah Silverman, Robert Clary, Rob Reiner, Susie Essman, Harry Shearer, Jeffrey Ross, Alan Zweibel, Gilbert Gottfried, Judy Gold, Larry Charles, David Steinberg, Abraham Foxman, Lisa Lampanelli, David Cross, Roz Weinman, Elly Gross, Deb Filler, Etgar Keret, Shalom Auslander, Jake Ehrenreich, Hanala Sagal, Aaron Breitbart

TRADUZIONE a CURA di DAVIDE SCHIANO DI COSCIA
ARTICOLO ORIGINALE:variety.com/

Recensioni dal Festival di Cannes: ‘The Neon Demon’

di Owen Gleiberman

Nicolas Winding Refn ha realizzato un horror surrealista baroccamente perverso e disgustoso ambientato nel mondo della moda di L.A.  f. Non è noioso, ma c'è meno di quanto non sembri.

La trepidazione è una cosa facile da avere a un festival cinematografico, ed è corretto affermare che lo stato d'animo di cosa-farà-adesso? che ha preceduto la premiere di Cannes in cui è stato mostrato "The Neon Demon," il nuovo film di Nicolas Winding Refn, era particolarmente fremente, e a ragione. Refn può essere un regista di stravagante umanità, come ha provato “Drive,” e anche di stravagante inumanità, come ha provato in “Only God Forgives,” la voluttuosa e ridicola fantasia di vendetta che fu aspramente detestato quando fu mostrato a Cannes nel 2013. Svitato come era, comunque, “Only God Forgives” aveva qualche momento indelebile (come Ryan Gosling con aria aflitta che si presenta per avere le sue mani mozzate),e suggerì che Refn potesse possedere la melodrammatica audacia per creare un avvincente film horror.

Un film horror è ciò che“The Neon Demon” è (una sorta). È ambientato nel mondo della moda di Los Angeles, ed è il tipo di film in cui le modelle sembrano manichini che sembrano cadaveri di un film slasher, e i cadaveri hanno l'aspetto di oggetti d'amore. La bellezza si mischia con la carne maciullata, e ogni immagine fastidiosamente viscida sembra esser uscita da "Twin Peaks: Fuoco cammina con me" o "Shining" o una versione davvero malata di una pubblicità di Calvin Klein. Ogni scena, ogni inquadratura, ogni battuta, ogni pausa è così ipnoticamente composta, così lussuosamente sovraintenzionale, che il pubblico non può fare a meno di supporre che Refn sa esattamente cosa sta facendo - che ci sta predisponendo per l'uccisione.

Lo sta facendo, ma non se siete alla ricerca di un film che abbia un senso. (Oh, quello.) “The Neon Demon” è una tentatrice. Inizia come un thriller relativamente leggibile, di facile comprensione, ma si rivela essere un film fatto da un macabro burlone surrealista e vomitevole. Jesse (Elle Fanning), un ingenua dalla pelle di pesca con i riccioli di un angelo biondo, arriva a Los Angeles subito dopo il suo 16esimo compleanno per iniziare una carriera come modella.  Le pin-up disincantate con cui deve competere sono vipere taglia gole dalla voce vellutata che hanno l'aspetto di quelle principesse di ghiaccio androide uscite dai video di Robert Palmer degli anni 80, e agiscono in modo persino più sporco di quanto lascino pensare. La ragione per cui odiano Jesse è che lei è una “It” girl, con quella speciale indefinibile qualità che l'intero mondo desidera. È chiamata innocenza, o autenticità erotica, o qualcosa che non può essere raggiunto da una mera combinazione di genetica olimpica, chirurgia plastica, e protesi al seno. 

Jesse, come capo della sua agenzia di modelle (Christina Hendricks) la informa che, ha la formazione della star. Ma tutto ciò che il suo splendore mangia pannocchie sembra attrarre sono presagi di violenza.  Refn, se non altro, è piuttosto bravo nei presagi. Di fatti, è più bravo nei presagi di quanto non lo sia a far seguito a ciò che essi presagiscono. Per un ora “The Neon Demon” è tutto incontri gelidi mesmerici che sembrano rimanere nell'aria, con un suggerimento di violenza perversa che è sempre in agguato dietro l'angolo.

Jesse ha affittato una stanza in uno squallido motel di due piani a Pasadena, e una notte apre la porta, e c'è una qualche sorta di intruso dentro.  (Come scopriamo, sembra essere scappato dallo zoo.) Persino peggio è il manager del motel, un vero cane invadente interpretato, in un altamente convincente cambio di ritmo, da Keanu Reeves. Allo studio di modeling, Jesse riesce a ottenere una sessione con uno di fotografi top della lista dell'agenzia, che le chiede di spogliarsi, poi la ricopre di vernice dorata - niente di ciò sarebbe granché disturbante se lui non trasmettesse la vibrazione di un serial killer che sta tracciando la sua vittima. Poi ci sono le altre modelle. Gigi, lo squalo bianco, è intepretato da Bella Heathcoate, che ricorda una più roboticamente perfetta Heather Graham, e Sarah, l'imbronciata Eurospazzatura, è interpretata da Abbey Lee, che sembra elevare la noia in qualcosa di omicida.

Refn tratta questi personaggi non come persone ma come oggetti pop, e ciò che costruisce al loro non è tanto un film di suspanse quanto una piece da sogno in cui vale tutto. Riscucchia influenze come un aspirapolvere estetico  - non solo Lynch e Kubrick (le sue due più ovvie divinità di riferimento) ma Dario Argento, il David Cronenberg di "Crash," e persino "Persona" di Ingmar Bergman. C'è una sequenza ambientata in un nightclub che include un triangolo al neon composto di tre triangoli più piccoli, e un immagine duplicata di tre Jesse (una delle quali bacia se stessa), e potrebbe ispirare due pensieri allo stesso tempo: "Wow, quello è proprio fico!" e "Ma che cazzo sta succedendo?"

In caso abbiate qualche dubbio su se “The Neon Demon” sia un film dal realizzatore di “Drive” o dal realizzatore di “Only God Forgives,” siamo chiari: è un film dal realizzatore di “Only God Forgives.”Probabilmente farà meglio al botteghino, comunque, in quanto i film horror, nell'era multisala del torture-porn-incontra il-J-horror-incontra-il-tinello, non devono avere per forza senso per aver successo. Ma se “The Neon Demon” avesse stretto la nostra immaginazione con più grande forza, avrebbe potuto essere un fenomeno invece che solo una curiosità Grand Guignolesca.

Dopo un po, la personalità da bimba innocente di Jesse inizia a cambiare un po. Sviluppa un senso del suo potere nel mondo della moda, flettendo i suoi tacchi a spillo con le punte d'acciacio, e inizia a diventare come una Eve Harrington la cui innocenza era solo una farsa. Ma Refn è così devoto a restare un passo avanti al suo pubblico, togliendo il terreno da sotto i nostri piedi - e il pavimento - che non può attenersi a nulla.  C'è una scena molto buona - nel suo modo malato, la più efficace del film - in cui il manager del motel di Reeves estrae un coltello e ci fa qualcosa di squisitamente orrendo. Se Refn avesse semplicemente lavorato con quel tipo di horro, avrebbe potuto fare un thriller atrocemente efficace. Ma sembra considerare la coerenza di tono come una svendita. Mette in scena una scena di seduzione lesbica piuttosto rozza, che spunta fuori dal nulla ma finisce per suggellare il fato di Jesse. C'è inoltre un gran finale che evoca ciò che è fatto per essere la catarsi del disgusto: coinvolge quella emozione preferita dal thriller, il senso di colpa, così come modelle legate in ciò che sembrano bretelle di arti fratturati, più - si - un globo oculare spia. Ah, l'orrore! Non l'orrore evocato dal film, ma lo scalcagnato orrore di e-adesso-che-cosa-farà dello storytelling di Nicolas Winding Refn. .

Durata: 117 MIN.

Produzione

A Jokers Films release of a Space Rocket Nation, Wild Bunch, Gaumont production. Prodotto da Lene Børglum, Sidonie Dumas, Vincent Maraval, and Nicolas Winding Refn. Produttori esecutivi, Michael Bassick, Brahim Cioua, Rachel Dik, Victor Ho, Steven Marshall, Cristophe Riandee, Thor Sigurjonsson, Jeffrey Stott, Gary Michael Walters, Christopher Woodrow. Co-produttori, K. Blaine Johnston, Elexa Ruth.

Crew

Diretto da Nicolas Winding Refn. Scritto da Refn, Mary Laws, Polly Stenham. Camera, Natasha Braier; montaggio, Matthe Newman;  Jake Roberts; production designer, Elliott Hostetter; costume designer, Erin Benach; music, Cliff Martinez; special effects, Wayne Burnes; casting, Nicole Daniels, Courtney Sheinin.

Con

Elle Fanning, Christina Hendricks, Keanu Reeves, Jena Malone, Abbey Lee, Bella Heathcoate, Desmond Harrington, Karl Glusman.

TRADUZIONE a CURA di DAVIDE SCHIANO DI COSCIA
ARTICOLO ORIGINALE: variety.com

Recensioni dal Festival di Cannes: ‘Pericle il nero’

di Jay Weissberg

Un Sicario napoletano della mafia in Belgio commette un grande sbaglio e scappa in Francia in questo dramma del sottobosco criminale bilanciando realismo con pessimismo noir.

Un Napoletano trapiantato in Belgio che lavora come sicario per la mafia erroneamente uccide la sorella di un boss di un clan rivale e scappa in Francia in "Pericle il nero," un solido studio sul personaggio che soffre per un'eccessiva dipendenza dalla voce fuori campo in prima persona. I fratelli Dardenne sono i padrini del regista Stefano Mordini in molteplici modi: stilisticamente il film abbraccia il neo-realismo Belga, è parzialmente ambientato in Liège, e i Dardenne sono co-produttori. Mordini è stato per lungo tempo attratto dai distretti proletari (“Acciaio,” “Provincia meccanica”) quindi quello non è una novità, ma "Pericle il nero" è un lavoro molto più maturo rispetto ai suoi film precedenti, nonostante il gap di personalità tra il protagonista come visto sullo schermo opposto a ciò che si sente nella narrazione è fastidiosamente ampio. Il weekend di apertura in Italia ha raggiunto un rispettabile 110,000 dollari, mentre le prenotazioni oltre i territori familiari verranno per la maggior parte da esposizioni Italiane.

Pericle (Riccardo Scamarcio) si muove attraverso la vita in stordimento, recitando frettolosamente in film porno da quattro soldi ma principalmente agendo come cattivo per Don Luigi (Giorgio Morra), capo di una delle due famiglie criminali italiane in Belgio. All'esterno è privo di vita, persino quando pesta i nemici del Don sulla zucca con una busta di plastica piena di chiodi, ma nella sua testa è considerevolmente più verboso ed emotivo, oppresso da suo status di orfano e sentendosi disconnesso dal mondo.

Quando per errore uccide la sorella (Maria Luisa Santella) del rivale di Luigi, Pericle si da alla macchia, prima in una casa sicura (queste scene sono particolarmente oscure e ben realizzate) e poi sulla costa francese, dove cerca di rimorchiare Anastasia (Marina Foïs) in un caffé. Lei è insensibile all'inizio, ma la perseveranza paga e in men che non si dica lei lo riporta al suo appartamento per una bella scopata, persino dopo aver saputo che non ha un indirizzo al momento.

È probabile che molti spettatori non si berranno la fiducia immediata di Anastasia in un uomo che dorme nella sua macchina, specialmente considerando che ha due bambini - non è strano che dopo un incontro intimo lasci i suoi ragazzi alle sue cure?  Concesso che accenda il fascino quando è con lei - un fascino che non visto in altre circostanze - ma comunque la quasi istantanea fiducia rimane un elemento seccante in un film che altrimenti cerca duramente di bilanciare realismo con pessimismo noir.   L'idillio ovviamente non dura: c'è un oscutirtà nella personalità di Pericle, e quando realizza che Don Luigi l'ha venduto, è lasciato ancora una volta ad affrontare una vita di problemi che ruotano attorno all'abbandono familiare.

In classico stile noir, Anastasia rappresenta la luce e la bontà con il suo appartamento sulla spiaggia e due figli adorabili, dove Pericle, più a suo agio durante la notte, viene da un posto più oscuro. La sua voce narrante rivela una torturata, personalità vagamente consapevole di se stessa non intravista nella sua forma esterna, che tende a essere imbronciata e quasi monosillabica eccetto che con Anastasia. Certo non a causa di Scarmacio, che ha la pensosa intensità richiesta per il ruolo, il film fallisce nel rendere questi due lati del personaggio credibili come una sola persona, pertanto intralciando un senso di connessione con questo antieroe.

Meglio reso è il senso di questo mondo sotterraneo Napoletano incongruamente residente in un ambiente decisamente non suo.  La camera funziona come uno spettatore rapito, occhieggiando il mondo con un ammonitore senso di sfiducia, come se stesse appiccicata alla nuca dei personaggi assicurasse che non scappino. Riprese dei depressi paesaggi industriali del Belgio accentuano la connessione alla visione dei Dardenne mentre si ricollegano anche all'interesse di Mordini per il proletariato. Le canzoni sono usate acutamente per rinforzare l'atmosfera, dalla forza trainante di "Get Into It" dei The Strypes al lamentoso "Wild is the Wind" di Nina Simone.

Durata: 104 MIN. 

Produzione

(Italy-Belgium-France) A BiM Distribution release (in Italy) of a Buena Onda, Les Fils du Fleuve, Les Production du Trésor production, with Rai Cinema, with the participation of Tax Shelter du Gouvernement Fédéral de Belgique, Casa Kafka Pictures, Belfius, VOO et Be TV. (International sales : Rai Com, Rome.) Prodotto da Viola Prestieri, Valeria Golino, Riccardo Scamarcio. Co-produttori, Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne, Alain Attal. Produttori esecutivi, Delphine Tomson, Marie Le Mire, Xavier Amblard.

Crew

Diretto da Stefano Mordini. Sceneggiatura, Francesca Marciano, Valia Santella, Mordini, loosely based on the novel “Pericle il Nero” by Giuseppe Ferrandino. Camera (color), Matteo Cocco; montaggio, Jacopo Quadri; music, Peter von Poehl; production designer, Igor Gabriel; costume designer, Antonella Cannarozzi; sound, Jean-Pierre Duret; sound edit, Stefano Grosso, Daniela Bassani, Marzia Cordo’; associate producer, Philippe Logie; casting, Francesco Vedovati.

Con

Riccardo Scamarcio, Marina Foïs, Valentina Acca, Gigio Morra, Maria Luisa Santella, Lucia Ragni, Seloua M’Hamdi, Samuel Laurie. (Italian, French dialogue)

TRADUZIONE a CURA di DAVIDE SCHIANO DI COSCIA

ARTICOLO ORIGINALE:variety.com/

Recensioni dal Festival di Cannes:'The Red Turtle' ('La Tortue Rouge')

di  Jordan Mintzer

Una semplicistica anche se meravigliosamente resa storia di abbandono su di un isola.  L'animatore premio Oscar Michael Dudok de Wit ha mostrato in anteprima il suo primo lungometraggio a Cannes.

Una favola minimalista dove uomo e natura legano assieme in modi altamente misteriosi, The Red Turtle (La Tortue Rouge) segna il debutto al lungometraggio dell'illustratore e animatore Olandese-Britannico Michael Dudok de Wit, il cui corto Father and Daughter vinse il premio Oscar nel 2000.

Co-prodotto dallo Studio Ghibli, con l'influenza dei suoi fondatori Hayao Miyazaki e Isao Takahata molto evidente nello squisito utilizzo del tratto e del colore nel film, per non menzionare il suo mutevole racconto di famiglia, sopravvivenza e paradiso ritrovato, questo ridotto Robinson Crusoe - raccontata interamente senza dialoghi - ha avuto la sua anteprima nella sezione collaterale di Cannes Un Certain Regard, nonostante sia una narrazione piuttosto semplice potrebbe in ultima analisi dare il meglio di se con il pubblico dei bambini dagli 8 in giù. 

Quasi un decennio di costruzione, il poema sinfonico tropicale di Dudok de Wit - co sceneggiato con il regista francese Pascale Ferran (Bird People) - usa il potere puro delle sue creazioni grafice, per non far cenno dell'eccellente design sonoro a cura della post house parigina Piste Rouge, per raccontare la storia di un uomo senza nome che naufraga su di una piccola isola e si ritrova a combattere gli elementi naturali mentre cerca di sopravvivere.

Come Tom Hanks in Castaway, ma senza il pallone parlante, l'uomo cerca di costruire una zattera che lo porterà in mare aperto. Eccetto che ogni volta, una creatura sottomarina nascosta continua a ostacolare la sua fuga. Presto scopriremo che l'assalitore è la tartaruga rossa del titolo, e, nel momento in cui il nostro eroe riesce ad attaccarla, lasciando la tartaruga gigante a morire sulla spiaggia, improvvisamente si trasforma... in una stupenda rossa.

Qusta è decisamente la sorpresa più grande nella altrimenti semplice storia di Dudok de Wit, che va avanti immaginando la vita armoniosa dell'uomo e della donna mentre decidono di vivere assieme come la coppia di Laguna Blu - o altrimenti come Adamo ed Eva nel giardino dell'Eden - alla fine crescendo un bambino tutto loro.

La maggior parte dell'ultima metà del film ritrae una placida esistenza isolana afflitta solo da pochi ostacoli - incluso uno tsunami reso in modo dolorosamente realistico - mentre il tempo va avanti e mamma e papà sperimentano ciò che molti genitori nel mondo sperimentano, eccetto che in un modesto modo silenzioso che si affida a tropi emotivi universali. -

Mentre il plot a volte può sembrare troppo leggero per un film, con una colonna sonora del compositore Laurent Perez del Mar (Now or Never) che tende a strafare dal lato della leziosità, The Red Turtle trae beneficio del bellissimo lavoro di animazione di Dudok de Wit e della sua squadra, che include Takahata (La storia della principessa splendente) come produttore creativo e Jean-Christophe Lie (Appuntamento a Belleville) come supervisore dell'animazione.

Il regista olandese è sempre stato ispirato dalle classiche stampe e acquerelli dalla Cina e dal Giappone - il suo corto nominato all'Oscar nel 1994, The Monk and the Fish, è un perfetto esempio - e qui riesce a portare quei disegni alla vita, in una favola che prende le sembianze dell'estetica calma e organica di una fantasticheria marina.

Se la mancanza di una storia intensa in stile Hollywoodiano potrà frustrare alcuni spettatori, eccezion fatta forse per i più giovani, allora probabilmente non l'avranno capito. Come il protagonista naufragato di The Red Turtle, dovete semplicemente smettere di combattere la corrente e seguire il flusso.

Compagnie di Produzione: Wild Bunch, Studio Ghibli, Why Not Productions, CN4 Productions, Arte France Cinema, Belvision

Regista: Michael Dudok de Wit

Sceneggiatori: Pascale Ferran, Michael Dudok de Wit

Montaggio: Celine Kelepikis

Compositore: Laurent Perez del Mar

Creazione Grafica: Michael Dudok de Wit,

Animazione: Jean-Christophe Lie

Produttore Creativo : Isao Takahata

Venue: Cannes Film Festival (Un Certain Regard)

Distribuzione: Wild Bunch

80 minutes

TRADUZIONE a CURA di DAVIDE SCHIANO DI COSCIA
ARTICOLO ORIGINALE:hollywoodreporter.com

Recensioni dal Festival di Cannes:'Hands of Stone'

di Leslie Felperin

Toro invecchiato mostra al ragazzo nuovo come si fa. Robert De Niro interpreta Ray Arcel, l'allenatore che allenò il peso medio Roberto Duran (Edgar Ramirez) verso la grandezza negli anni 70.

Se ci fosse un'arena virtuale dove i film di boxe potessero scontrarsi e Hands of Stone e Creed potessero combattersi come pesi medi di livello medio, Creed probabilmente vincerebbe ai punti - ma non per un grande margine. I contendenti sono strettamente allineati. Entrambi sono di registi emergenti, nonostante il Ryan Coogler di Creed abbia più raffinatezza rispetto al Jonathan Jakubowicz di Hands of Stone. Entrambi i film sono più sdolcinati di quanto non pensino, ma comunque dicono cose ponderate su razza, classe e su come lo sport si sia evoluto durante gli anni.

Principalmente vertono entrambi sul vecchio-incontra-il nuovo, sia a livello letterale che meta. Lo scorso anno Creed vedeva Sylvester Stallone riprendere il suo ruolo di Rocky Balboa, un ex campione che diventa allenatore per un giovane combattente (Michael B. Jordan). Hands of Stone, nonostantein apparenza sia un biopic sul leggendario pugile degli anni 70 Roberto Duran (Carlos' Edgar Ramirez), non è i nrealtà un sequel di alcunché. E nonostante ciò i cineasti sono chiaramente ben consapevoli che un componente principale della sua attrattiva risiede nella scrittura di Robert De Niro, star del canonico film di combattimento Toro Scatenato, come coach di Duran Ray Arcel, un fortemente onorevole, paterno vecchietto in uno sport talvolta ignobile, in pratica l'opposto del Jake LaMotta di Toro Scatenato.

Dato che la The Weinstein Company sta distribuendo la pellicola, iniziando il suo viaggio a Cannes fuori competizione - dove la premiere è stata trasformata in un tributo a De Niro - c'è una buona possibilità che lo spingano come contendente agli oscar più in la durante l'anno. La cosa triste in una tale strategia, come con Creed, è che distrarra l'attenzione da Ramirez, che da l'interpretazione più interessante. De Niro mostra quale maestro sia prendendosi il suo tempo con una combustione lenta, ma essenzialmente è un interpretazione che potrebbe fare dormendo, costruita attorno alla stranezza di vederlo con una parrucca in lattice per farlo sembrare calvo. Ramirez, d'altra parte, afferra l'occasione di mostrare la sua portata con il suo arrabbiato ma scalto, elegante ma incontrollabile Duran. Il suo lavoro nelle scene di lotta confeziona una convincente lotta, e mentre nessun regista da Toro Scatenato è mai stato in grado di resistere a usare la slow-motion per mostrare come i colpi si inarcano e vanno a segno, il nativo del Venezuela Jakubowicz (Secuestro Express) saggiamente non cerca l'omaggio totale a Martin Scorsese. Riprende i combattimenti principlamente in non particolarmente pretenziose riprese aeree (con la gru) e primi piani, trascorrento più tempo da vicino a Duran e Arcel durante il loro discorsi di incoraggiamento all'angolo, che finiscono sempre in modo toccante con Arcel che pettina i capelli di Duran prima che ritorni sul ring, come se sia un figlio in procinto di cantare al suo bar mitzvah.

Jakubowicz mostra più inventiva e dedizione con le parti non di combattimento del film, specialmente le scene ambientate e girate a Panama, dove il sentimento anti-americano tra i locali è molto sentito. Duran potrà essere scarsamente istruito, incapace persino di leggere dopo un infanzia trascorsa principalmente nelle strade rubando per sopravvivere, ma afferra la situazione post-coloniale e come la sua fulminea ascesa sotto la tutela di Arcel lo trasformi in un simbolo nazionalista. Mentre il film si fa strada attraverso gli incontri chiave che hanno assicurato a Duran i suoi titoli, prima contro Ken Buchanan nel 1972 e poi in seguito il suo nemico/amico Sugar Ray Leonard (la pop star-diventata-attore Usher, accreditato qui come Usher Raymond IV), la sceneggiature di Jakubowicz è attenta a fornire spegazioni sugli sforzi di Panama per riacquisire il controllo del canale. C'è abbastanza ronzio di fondo sul regime di Omar Torrijo e clip di archivio di presidenti americani (prima Carter, poi Reagan) discutendo trattati per creare una rassicurante sensazione che questa storia ha luogo in un mondo reale,anche se è ovvio che larghe porzioni di storia sono state ignorate.

Certo, a volte sembra come se altre porzioni siano state lasciate da qualche parte nel cestino dei rifiuti digitali della sala di montaggio perché ci sono ovvi buchi e bablbettii nella narrazione, personaggi di cui ci è stato detto sono terribilmente importanti solo per vederli sparire dalla narrazione del tutto fino a che è ora per la loro dipartita di avere effetto su Duran. Almeno abbastanza tempo è attribuito all'esuberante interesse amoroso di Ana De Armas, la moglie di Duran Felicidad, per costruire trepidazione attorno a ciò che riuscirà a fare in un ruolo importante nell'imminente remake di Blade Runner.

La fluidità non è il pezzo forte del film. Ma lo sono le situazioni, e ci sono abbastanza scene che colpiscono allo stomaco grazie a Miguel Ioan Littin Menz - per esempio, una ripresa aerea di una processione religiosa e viste impennate del canale che non servono a niente se non al bene dell'industria del turismo di Panama. In conclusione, Hands of Stone è ben lontano dalla perfezione, ma colpisce abbastanza sopra la sua categoria per evitare dall'essere facilmente archiviato. 

Venue: Cannes Film Festival (out of competition)

Distributor: The Weinstein Company

Production companies: Fuego Films, Vertical Media, Epicentral Studios, Panama Film Commission

Cast: Robert De Niro, Edgar Ramirez, Usher Raymond IV, Ana De Armas

Director-screenwriter: Jonathan Jakubowicz

Producers: Carlos Garcia de Paredes, Claudine Jakubowicz, Jonathan Jakubowicz, Jay Weisleder

Executive producers: Ricardo Del Rio, Robin Duran, George Edde, David Glasser, Bill Johnson, Max A. Keller, Jim Seibel, Benjamin Silverman, Bob Weinstein, Harvey Weinstein, Sammy Weisleder

Director of photography: Miguel Ioann Littin Menz

Production designer: Tomas Voth

Costume designer: Bina Daigeler

Editor: Ethan Maniquis

Music: Angelo Milli

Visual effects supervisor: Rodrigo Tomasso

Casting: Dilva Barriga, Amanda Mackey, Cathy Sandrich

Sales: Creative Artists Agency, The Weinstein Company

Not rated, 106 minutes

TRADUZIONE a CURA di DAVIDE SCHIANO DI COSCIA
ARTICOLO ORIGINALE:hollywoodreporter.com/